Att skanna konstverk har förvisso sina fördelar, men det har också sina begränsningar. Penseldrag kan dra nytta av en mer enkelriktad ljuskälla. Fotografering i en kontrollerad miljö möjliggör finjustering av textur och skuggor.
Fram till de senaste åren krävde fotografering av konstverk antingen en större sensor eller sammanfogning av flera bilder för att få utskrivbar upplösning. Med intåget av pixel shift-teknologi i fullformatskameror kan medelstora och vissa större konstverk reproduceras vilket möjliggör bättre arbetsflöde och därmed bättre värde.
Teorin bakom att använda en stroboskop är att det finns ljus som infiltrerar scenen från hela rummet: från fönster och väggar och från golvet också. Allt detta ljus har många olika färger och intensiteter. Jag vill inte oroa mig för dem, så jag använder en stroboskop för att övermanna det omgivande ljuset. En typisk belysningsinställning är 2 (eller fler) lampor från sidorna. Detta möjliggör underbar kontroll över både skuggor och texturer med antingen ljuskällan dominerande, eller båda är lika: ett konstnärligt val. En annan riktning att ljus från är toppen. Detta har fördelen att vara en mer intuitiv riktning för en ljuskälla att komma ifrån, men nackdelen att inte kunna placera en annan ljuskälla mitt emot, på botten, på grund av att golvet begränsar hur långt bort ljuskällan kan vara. Min inställning är en Profoto B10, med en snood för att kontrollera spill, som studsar av ett vitt ark och på konstverket.
Om konstverket är litet funderar du förmodligen på att skanna det, och om det är större kommer du inte att kunna få allt klibbigt utan att stoppa bländaren så långt att bilden mjuknar av diffraktion. Så det innebär att fotografera på olika fokuspunkter och sy ihop i stolpen. Mer jobb, men ingen väg runt detta. I det här projektet använde jag ett 85 mm-objektiv vid F/8 för 24’x16″ konstverk. Jag kunde täcka alla konstverk på två brännvidder. Efter att ha fotograferat varje sekvens kontrollerar jag bilderna för skärpa vid olika punkter och tar en annan uppsättning om det finns ett område som ser mjukt ut. Större konstverk kan kräva flera bilder för att få allt i fokus. När så är fallet ser jag till att lämna gott om utrymme runt konstverket för att ta hänsyn till fokusandning (där bildstorleken ändras med fokusering).
Kameran jag använder för att fotografera konstverk är en Sony A7Riii eftersom den är fullformat, hög upplösning och har pixel shift-kapacitet. Pixelskifte är en process där kameran tar en bild och sedan flyttar sensor 1-fotoreceptorn i både den horisontella och vertikala axeln för bättre färgupplösning och lite bättre luminansupplösning också. Detta kräver 4 bilder för varje bild som kombineras i posten.
Bouncepanelen är en lätt träram som hålls samman och hålls upp av 4 öglor, var och en med skärmbrickor och en mutter. Lakanet är ett platt ark i full storlek som hålls fast med lätta klämmor. Det platta arket i full storlek är den största panelen som lätt kan hanteras av en enda person. Panelen kan höjas, sänkas och lutas av remmarna som håller upp den. Allt som allt, cirka $50 i grejer för en 6’x8′ studspanel. Lakanet har ett riktigt mjukt ljus som är perfekt för det jag vill uppnå.
Första steget är att se till att min exponering är inställd så mörk att det mesta bara är blixten från stoben som dyker upp. Sedan justerar jag placeringen och riktningen på min stobe, och även placeringen av studspanelen för att få jämn belysning. Nästa steg är att sätta konstverket på väggen eller staffliet och kontrollera strukturen och skuggorna för att se vad som kan behöva justeras för bättre effekt. Efter att ha finjusterat belysningen för att få precis rätt skuggning krävdes inte ett andra platt ark på golvet som studs, men det kunde enkelt ha lagts till om så önskas.
Nu är det dags att kalibrera scenen. Första steget är att ta ett grått kort för vitbalans i kameran. Jag gillar att fotografera nära den övre delen av histogrammet; Att få rätt vitbalans hjälper mig att klippa höjdpunkter när jag granskar mina bilder i kameran.
Nästa steg är att skjuta ett färgmål. Jag använder ett Color Checker-pass. Färgmålet fungerar bara om du använder samma inställningar för exponering och belysning. Eftersom jag använder pixelförskjutning för konstverket, ser jag till att använda pixelförskjutningen för färgmålet också.
Närbild av penseldrag på en sista bild. Mängden och riktningen på skuggningen är ett konstnärligt val, det kan vara en bra idé att ha artisten närvarande under fotograferingen för att hjälpa till med detta.
Allt gick bra och penseldragen ser bra ut också. Dags att byta till datorn. Först kombinerar jag uppsättningarna med 4 pixelförskjutna bilder med hjälp av Sonys programvara Imaging Edge Viewer som medföljer kameran. Jag justerar ingenting i den här programvaran eftersom jag vill använda Color Checker för att profilera dessa bilder senare. Bilderna sparas i ett RAW-format (DNG för min Sony) som jag importerar till Lightroom. Den första bilden jag importerar är den med färgmålet. Att välja Arkiv/Exportera med förinställning/X-Rite-förinställningar/ColorChecker Camera Calibration hittar målet på bilden och ber mig om ett profilnamn att spara som. Efter detta stänger jag och öppnar Lightroom igen eftersom Lightroom bara initierar färgprofilerna en gång, när det öppnas första gången.
Nu kan jag öppna en av RAW-bilderna av konstverket i framkallningsläget och tillämpa den nyskapade färgprofilen (den bör visas längre ner på listan över tillgängliga). Dessutom stänger jag av skärpan och brusreduceringen och tillämpar korrigeringar för kromatiska aberrationer och linsprofil. Jag synkroniserar dessa inställningar och sparar var och en av bilderna som 16-bitars TIFF-filer. Jag har hållit i Adobe RGB hela vägen.
Med TIFF-filer kan jag öppna som lager var och en av de olika brännpunktsversionerna av konstverket i Photoshop. I det här fallet har jag 2 för varje; större konstverk kan kräva mer. När jag markerar alla lager använder jag Redigera/Autojustera lager med standardinställningen. Sedan Redigera/Blanda lager automatiskt med standardinställningen. Detta gör ett riktigt bra jobb med att hitta de mest fokuserade delarna av varje bild och blanda ihop dem. Men vi är inte riktigt klara än, eftersom programvaran kan vara utmärkt, men inte perfekt och ibland är det konstnärligt omdöme inblandat. Så det kan krävas en mindre handjustering av maskerna för att få ditt bästa resultat.
Jag slutar med en fokuserad högupplöst bild som har färgkorrigerats när lagren är tillplattade. Måste fortfarande kolla efter fläckar, damm och sådant och rensa upp sånt. Sedan, med hjälp av Filter/Camera Raw Filter, justerar jag geometri och distorsion efter behov för att få ett platt bildperspektiv. Slutligen en beskärning, och exportera sedan från Photoshop, igen som en 16 bitars TIFF i AdobeRGB.
Det finns inget sätt att få alla färger korrekta. Så du måste bestämma vilka som är de viktigaste. Jag skriver ut ett korrektur med en Canon Pro-1000 och ett högkvalitativt fotopapper. Jag tar sedan en bild av både konstverket och det utskrivna provet bredvid varandra (inget behov av pixelförskjutning här). Efter öppning i ett ljusrum. Jag kan tillämpa ändringar på bara provdelen tills provet och konstverket ser likadana ut. Jag bryr mig inte om belysningen och kvaliteten, eftersom jag bara jämför den tryckta versionen med det faktiska konstverket. Ett par omgångar med mindre justeringar och jag tillämpar samma inställningar med den 16-bitars TIFF-slutsökning jag hade. Eftersom artister tenderar att använda samma palett för flera stycken, kanske du kan tillämpa dessa mindre justeringar på var och en av de sista TIFFS-erna.
Med det här projektet var det faktiskt nära nog vid den första genomgången och ingen justering krävdes, även om det ofta är det. Ibland fotograferar du en tavla med glitter eller djupa färger som kobolt. Då letar du efter en snygg digital version, men har ingen chans att matcha originalet exakt.
Till sist vill jag förminska canvasmönstret lite. Det finns många sätt att göra detta på, men för det här projektet valde jag ett wavelet-baserat brusreduceringsprogram som heter Neat. Lite sista skärpning med Topaz Denoise (jag gillar skärpningsmodulen på Denoise-applikationen för konstverk bättre än skärpningsalternativen i deras Sharpen-program.) Den är AI-baserad och kan ge resultat som är fantastiska, speciellt om den används väldigt lätt. Jag använde ingen denoise och bara en inställning på 1 (av 100) på skärpan.
Jag upprepade stegen för alla konstverk. Allt som allt 1 timmes uppsättning och fotografering och 1 timmes bearbetning för 5 stycken. Om jag var tvungen att göra flera omgångar av färgkorrigering tar det vanligtvis ytterligare 10 minuter per omgång. Lycka till och var kreativ.
Om författaren
Harry Durgin är en professionell fotograf på Hawaii som är specialiserad på landskapsastrofotografering. Hans arbete under vulkanutbrottet 2018 på Big Island har publicerats i tidningar och tidningar runt om i landet. Han och hans fru har ett tryckeri och studio i Pahoa, Hawaii. Du kan hitta mer av deras arbete på deras hemsida och Facebook. Denna artikel publicerades också här och delades med tillstånd.
