Jag började min resa inom filmfotografering i slutet av 2016, och har sedan dess arbetat mig igenom de olika filmaktier jag kan lägga vantarna på; i produktion, utgången, experimentell eller alternativ. Kodak Tri-X är vanligtvis högst upp på de flestas lista över filmer att arbeta med, så när jag nyligen laddade upp min första roll någonsin, tre år efter att jag började med film, fick det mig att tänka efter.
Det finns några anledningar till att det har tagit mig så lång tid att bli bekväm med att filma Tri-X, och jag tänkte att det kunde vara användbart att dela dessa, både så att jag kan förstå min process mer sammanhängande (som med de flesta av mitt skrivande), och även för att potentiellt hjälpa någon på sin filmresa. När jag började uppskattade jag helt enkelt inte vad svartvitt kunde erbjuda mina bilder från början.
Jag hade fotograferat på helt digitala, helfärgssensorer och använde bara svartvitt när jag fotograferade i mycket svagt ljus, eller när jag behövde rädda något med särskilt föga smickrande färger, till exempel ett motiv som blåst ut av hårda neonljus. Jag höll fortfarande på att lära mig min smak, och hade absolut svart-vita-exklusiva fotografer som jag respekterade; till exempel Fan Ho, Walter Rothwell, Alan Schaller eller Larry Louie. Även om jag ville bli influerad av dessa artister kunde jag ännu inte finna ro med att ge upp att göra bilder mer exakta till verkligheten, vilket innebar att använda färg.
Men när det kom till filminspelning föreställde jag mig att det skulle vara något roligt och tillfredsställande, men i slutändan oviktigt. Efter min första filmrulle någonsin, AGFA 200 Poundland-film, bestämde jag mig för att jag skulle reservera min filmfotografering för att endast vara en svartvit sysselsättning. Jag gjorde detta för att upprätthålla en åtskillnad mellan mitt film och digitala arbete, och även för att odla ett “filmtänk” som skulle vara annorlunda än det sätt jag skulle skapa exponeringar digitalt. Den första svartvita filmrullen jag någonsin spelade in var HP5 genom min Leica CL.
Jag kände HP5 från sin tidigare form som HPS Hypersensitive, som användes av Bruce Davidson när han fotograferade medborgarrättsrörelsen; men den främsta anledningen till att jag valde att prova det först var att det var billigt. Mina första rullar var inget speciellt, men så småningom gjorde jag den här bilden som jag var riktigt nöjd med – men viktigast av allt visste jag att det inte fanns något med den här scenen som jag skulle ha uppskattat om jag hade tagit den i färg. Jag visste att om jag förstärkte denna positiva association så skulle jag kunna tappa motivationen att fortsätta prova nya emulsioner, så med det i åtanke började jag undersöka andra alternativ och upptäckte XP2, som snabbt blev min favorit för svartvit fotografering.
Vid det här laget var jag medveten om Tri-X som ett giltigt alternativ, men undvek det fortfarande. Jag tror inte att jag aktivt valde att inte skjuta med det, men det finns några faktorer som jag är medveten om nu som kan ha varit undermedvetna då. Tri-X har ett väldigt “klassiskt” utseende, väldefinierat efter årtionden av otroliga resultat av otroliga fotografer. Jag vet att om jag hade fotograferat med Tri-X till att börja med skulle det ha lånat ut den estetiken till mitt arbete och definierat mina resultat på ett sätt som jag kanske inte var bekväm med. Jag vill vara närvarande i alla aspekter av min fotografering, inte bara luta mig mot det som har beprövats och testats. Tri-X har ett arv inom fotografi på samma sätt som det finns ett arv inom varumärken som Leica och Nikon, och en koppling till klassisk fotojournalistik och reportage. Det finns en gravitation och ikonografi till Tri-X, och vissa skulle säga att det är den definitiva svartvita “looken”.
Istället för att bara anamma den där looken ville jag se om kanske någon av underdogsna hade något att erbjuda mig – eller ännu viktigare vad jag kunde erbjuda den. Det finns så många olika sätt att filma och framkalla svartvit film, så många alternativ när det kommer till över/underexponering, pull/push framkallning och själva framkallningskemikalierna. Någonstans i denna kombination var jag säker på att jag skulle upptäcka min egen estetik.
Jag var också medveten om att det fanns mer med filmfotografering än att bara fotografera olika rullar från olika märken. Det finns en hel analog gemenskap som passionerat delar och lär ut allt som har med filmfotografering att göra. Jag var tvungen att ta reda på var jag passade in i det här samhället och ta reda på hur jag bäst kan dela mitt arbete för att utbilda och inspirera andra, men också för att marknadsföra mig själv.
Ilford blev därför mitt favoritmärke. Jag har inte bara njutit av att spela in det mesta av vad Ilford har att erbjuda med sin film utan också kunnat nå ut till en publik genom dem genom att dela mitt arbete och åsikter på deras blogg. Detta hjälpte mig att hitta en röst för mig själv i filmvärlden och även upptäcka andra artister.
Ilford lägger ut riktigt fantastiskt innehåll som hjälper människor att ta till sig alla aspekter av filmfotografering, inklusive exponering, framkallning och mörkrumsutskrift – verkligen värdefulla resurser. Jämför detta med ett annat “ledande” varumärke, Fujifilm, som verkar vara fokuserade på sina digitala system och erbjuder allt mindre stöd till film- och filmfotografer. Kodak gör mycket mer när det gäller gemenskap men saknar fortfarande en plattform som liknar Ilford-bloggen (som jag har kunnat hitta) för att erbjuda en resurs för fotografer att dela sitt arbete och utbilda andra.
Förespråkande inom samhället är väldigt viktigt för mig, särskilt med tanke på att jag själv har en lärartjänst och vill göra mitt bästa för att stödja mina elever, andra fotografer och speciellt filmfotografer.
Genom att prova så många alternativ som möjligt har jag kunnat upptäcka att filmer som jag förmodligen inte tidigare skulle ha övervägt, som Delta 400, har en “look” som verkligen fungerar för det arbete jag tillämpade den på. Det var mer värdefullt för mig att testa dessa filmer personligen än att bara analysera exempel online eftersom förhållandena jag filmar under och sättet jag föredrar att exponera är annorlunda än andra fotografer.
Genom att testa dem själv kunde jag känna ut kanterna, driva dem till det yttersta (bokstavligen) och fatta ett välgrundat beslut. Jag har till och med kunnat ta det jag har lärt mig av hur svartvit fotografering fungerar på film och överföra det till mitt digitala arbete, vilket förändrat sättet jag skulle exponera för en bild som jag visste att jag skulle vilja redigera som svart och vitt för att få det resultat jag vill ha – och är faktiskt nöjd med för en gångs skull!
Efter allt detta experimenterande kändes det inte som så mycket av ett åtagande att köpa några rullar Tri-X. Jag såg fram emot dess mångsidighet och utrymme för push-utveckling – jag har sett perfekta resultat upp till 10 000 från andra artister. Jag bestämde mig för att skjuta mitt första kast till 6400, och det andra sköt jag i boxhastighet.
Jag är ganska nöjd med de pressade resultaten; kontrasten är mycket distinkt jämfört med exemplen på 400. Förhoppningsvis kommer jag att fortsätta använda Tri-X tillsammans med mina andra svartvita filmer och tillämpa samma granskning på hur det förändrar sättet jag fotograferar på. Min svartvita fotografering kommer att utvecklas och fortsätta att informera om hur jag arbetar i färg och vice versa. Jag kanske producerar bilder som jag tycker om med Tri-X och kanske inte – det som spelar roll är att jag hela tiden anpassar mig för att få olika saker att fungera för mig och ser hur jag kan förändra mig själv för att tillåta nya sätt att skapa i mitt arbetsflöde.
Om författaren
Simon King är en Londonbaserad fotograf och fotojournalist som för närvarande arbetar med ett antal långsiktiga dokumentär- och gatufotograferingsprojekt. Du kan följa hans arbete på Instagram och läsa mer om hans tankar om fotografering på hans personliga blogg. Simon undervisar även en kort kurs i Gatufotografi på UAL som du kan läsa om här. En version av denna artikel publicerades också här och den delas med författarens tillåtelse.
